Barroco
Durante el Barroco las novedades en cuanto al diseño y las técnicas de construcción de la flauta de pico son las que siguen : • Aumenta la conicidad invertida, lo que permitió ampliar a algo más de dos octavas la extensión del instrumento. La conicidad invertida contribuyó también a mejorar el timbre, proporcionándole homogeneidad a lo largo de sus diferentes registros, además de una sonoridad más recogida y más dulce. • Se mejora la digitación del instrumento, posibilitando una interpretación más brillante y virtuosística. • Aumenta la precisión en la afinación de las octavas, mejorando su flexibilidad dinámica. • Se curva el bisel y el canal de aire. • Los agujeros tonales se taladran de forma cónica (más anchos hacia el interior). • Se articula el instrumento en tres piezas (pie, cuerpo y cabeza), lo que facilita una construcción más precisa y permite modificar ligeramente su afinación.
|
|
 |
Comparación entre la flauta de pico renacentista (arriba) y la barroca (abajo). |
Durante esta etapa la música para "consort" de flautas de pico decae en importancia. La homogénea sonoridad del consort no encaja con el ideal sonoro del Barroco. En esta época se busca el contraste a todos los niveles, incluido el tímbrico. Por tanto, la flauta de pico es entendida más como instrumento solista. Su repertorio más importante lo encontramos en forma de sonatas con continuo y conciertos. También se va a integrar tímidamente en la orquesta. Los grandes compositores le van a dedicar destacados papeles en algunas obras vocales e instrumentales. En el Barroco se desarrolla la tradición de asociar algunos instrumentos con situaciones dramáticas específicas: las trompetas con la batalla, las trompas con la caza, etc. Las flautas de pico se han relacionado con escenas de amor, pastorales (junto con los oboes), funerales, acontecimientos sobrenaturales (relacionados con diosas, ángeles o brujas) y para imitar el canto de los pájaros. Hasta esa época, la música de flauta se escribía en un sistema de tablatura, al igual que otros instrumentos como la vihuela, el órgano o la guitarra. A principios del Barroco se adoptó la forma actual de escritura, que unía el encaje de las voces propia de la tablatura con la escritura pautada del canto coral. |
|
FRANCIA |
|
En el siglo XVIII la flauta de pico alto fue el instrumento estándar. En Francia, a principios de siglo la música se componía para casi cualquier tipo de instrumento, No se tenía en cuenta, por tanto, las características particulares de la flauta de pico, que podía ser sustituida por cualquier instrumento. En la corte francesa de Luis XIV (1661-1715) la música estaba muy bien organizada: la capilla, la música de cámara y la grande écurie , un gran cuerpo de músicos ad-ministrado por el Maestro de los Grandes Establos del Rey. Los Hotteterre fueron quienes mejoraron notablemente el diseño del oboe, la flauta travesera y la flauta de pico. Estos avances fueron posibles gracias al empleo en la construcción de tres pequeñas secciones de madera unidas (cabeza, cuerpo y pie), en lugar de la antigua técnica de hacer los instrumentos de una sola pieza. Con un pie independiente, el noveno agujero de la flûte à neuf tours ya no es necesario, aunque las llaves flautas tenor y bajo están preparadas para poder ser tocadas por zurdos mediante un mecanismo conocido como doubles touches . En el caso de la flauta de pico, se hicieron los agujeros tonales más estrechos, lo que fue el primer paso para conseguir un timbre más refinado y un ámbito más amplio. Las piezas más cortas de madera podían ser taladradas con más precisión. Las junturas necesitaban ser reforzadas, lo que llevó al uso de juntas o engastes de marfil. De hecho, la elegancia y la sofisticación aumentaron considerablemente. El timbre es excepcionalmente fino, de tono suave y dulce en el registro bajo, más claro conforme se asciende y de notas agudas cristalinas, sin estridencias. Las flautas de pico soprano y alto de Chester poseen agujeros dobles para obtener los dos semitonos más bajos. La afinación de las flautas de Bressan está hecha sobre un la de 408 Hz., aproximadamente tres cuartos de tono por debajo de la afinación estándar actual.
|
|
INGLATERRA |
|
La aparición de distintos manuales para flauta de pico en esta época (publicados por prestigiosos autores como Hudgebut ) así como el establecimiento en este país de intérpretes y constructores de flautas venidos sobre todo de Francia, favoreció el uso de este instrumento frente al detrimento del flageolet, que había sido muy popular hasta la fecha. |
|
La gran popularidad de la que gozó la flauta de pico en Inglaterra se refleja en el hecho de que en el pie de muchas de las ediciones de canciones se incluía la versión transportada en una tonalidad adecuada "para la flauta" (es decir, la flauta de pico). Algunos años más tarde esta adaptación al pie se titulaba "para la flauta alemana" y después sólo "para la flauta" (pero ahora significando "para la flauta travesera"), lo que señala el cambio de gustos. |
|
ITALIA |
|
|
|
En Italia, los distintos compositores hicieron importantes contribuciones al repertorio de flauta de pico con sonatas a solo con continuo. Vivaldi utilizó mucho la flauta de pico en su música de cámara y sus conciertos (algunos de los cuales compuso en origen para flauta de pico, aunque luego, cuando los publicó, los destinó a la travesera). Escribió un buen número de conciertos para flauta alto y para sopranino (conocido como flautino ) que ponían a prueba las capacidades de los mejores instrumentistas. Sammartini fue uno de los pocos compositores que escribió un concierto para flauta de pico soprano. |
|
ALEMANIA |
|
En Alemania se compusieron solos muy brillantes y Telemann fue uno de los compositores que más escribió para flauta de pico en su música instrumental.
J. S. Bach utilizó tanto la flauta de pico como la travesera en la orquesta, estableciendo una clara distinción entre ambas. Su música de cámara (las sonatas, las trio sonatas y la suite en si menor) está dedicada a la flauta travesera, pero en el segundo y el cuarto concierto de Brandemburgo utiliza flautas de pico. Bach indicaba las partes para flauta de pico como "flauto" y normalmente las escribía en lo que se denominaba "clave francesa de violín", es decir en clave de sol en primera línea (en el cuarto concierto de Brandenburgo, sin embargo, utilizó el término "fiauti d'echo" para referirse a dos partes de flauta). Las flautas de pico juegan un destacado papel en 20 de las cantatas de iglesia de Bach. En el Oratorio de Pascua (1736) se utilizan tanto flautas de pico como traveseras, teniendo la travesera un importante "obbligato". En la Pasión según San Mateo, las flautas traveseras son las que llevan la mayoría del peso, pero se utilizan las de pico para el recitativo y coro del tenor O Schmerz [Oh, dolor]. La cantata Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit -conocida como Actus tragicus - está destinada a dos flautas de pico, violas da gamba y órgano como continuo. Fue compuesta seguramente para un servicio religioso en memoria de las víctimas del incendio que destruyó gran parte de la ciudad de Mülhausen el 30 de mayo de 1707. En aquella época Bach trabajaba como organista en esta ciudad alemana. Su estilo camerístico proporciona a esta obra un carácter de sobrio e íntimo recogimiento. Händel no utilizó la flauta de pico en sus oratorios. |
|
| País | Fabricantes | Compositores |
Audiciones | |
|---|---|---|---|---|
| Francia | Hotteterre Loeillet Chester Bressan Rippert |
Bâton Boismortier Chedeville Aubert Naudot Freillon-Poncein |
|
|
| Inglaterra |
Stanesby padre Stanesby hijo |
Daniel Purcell James Paisible Robert King John Banister Gottfried Finger Raphael Courteville William Croft
|
|
|
| Italia | Scarlatti Sanmartini Vivaldi Marcello |
|
|
|
|
||||
|
||||
| Alemania | Denner Oberlender |
Schickhardt Heinichen Graupner Mathesson Quantz Telemann Bach Händel |
|
|
|
||||
|
||||
|
||||
|
||||
|
||||
|
||||
|
||||
|
||||
|
||||
|
||||
| Otros países | Rottenburg (Bruselas) Haka, Beukers y Heitz (Amsterdam) |
Van Eyck |
|
|
|
||||
|
||||